GRUPO 2 Anni Albers , Josef A

voy a contarte quien era

ANNI ALBERS

Anni Albers era una alemana con marcadísimos intereses culturales y grandes dotes para las artes plásticas desde niña. Nació en Berlín y su gran "apertura de ojos" (ese despertar que todo artista sufre) sucedió en la Bauhaus, donde tenía la suerte de ser alumna del taller textil. Allí conoció a Joseph, profesor y después marido, de igual origen teutón, que daba clases de vidrio y diseño de muebles.

Con el nazismo, huyeron juntos a Estados Unidos. Y como suele ocurrir en muchas mujeres artistas, su obra se concibe sólo como parte de la creación en pareja. (No así la de Josef Albers, que como fotógrafo, poeta y pintor, se le considera con sobrada autonomía artística). No sé si por eso, me resultan especialmente interesantes las primeras creaciones. Tapices con trazos muy al gusto de la modernidad, con tramados lineales y experimentos geométricos de color.

Como muchos otros emigrados a los EEUU, se dejaron llevar por el imperialismo cultural y abandonaron la vanguardia en pro de nuevas corrientes algo más impersonales. De hecho fueron sus viajes a latinoamérica la principal inspiración de su obra en lo sucesivo. Se empaparon de rollito étnico y lo que hicieron por allí me interesa mucho menos. (Vivieron antes de todo esto en las Canarias, y supongo que la sobreexposición

solar

les afectó, aunque no sé en qué medida).

La joven Anni (Su verdadero nombre era Annelise Fleischmann) recibió clases del mismísimo Paul Klee, y el diseño y la publicidad, han bebido mucho de las creaciones de esta germano-americana.

A mí sus tapices me conmueven hasta arrancarme lágrimas. Supongo que su tarea posterior es muy interesante (No en vano, tanto en vida como con carácter póstumo la obra de la pareja se ha expuesto por todo el mundo), pero las primeras obras son innovadoras, audaces, armónicas y perfectamente compuestas.

Afortunadamente Anni y Josef crearon una fundación con su nombre, gracias a la que, sus trabajos tienen bastante repercusión y vigencia.

Anni murió en el 94, a los casi 95 años de edad, habiéndose convertido en una mujer clásica en vida y terriblemente transgresora como artista.

ahora te contare quien era

Josef Albers

Josef Albers (19 de marzo de 1888 - 25 de marzo de 1976) fue un artista y profesor alemán cuyo trabajo, tanto en Europa como en losEstados Unidos, creó la base de algunos de los programas de educación artística más influyentes del siglo XX.

Biografía

Estudios y primeros trabajos en Alemania

Albers nació en Bottrop, Westfalia. Desde 1901 hasta 1905 estudió en la universidad de magisterio de Büren y luego enseñó como profesorde escuela primaria. En 1908 vio por primera vez las obras de Paul Cézanne y Henri Matisse en Museo Folkwang en Essen. Inspirado porPiet Mondrian en 1913 pintó su primer cuadro abstracto.

Albers estudió arte en la Real Escuela de Arte en Berlín de 1913 a 1915, y en la Escuela de Arte en Essen de 1916 a 1919, después estudió en la Academia de las Artes de Prusia con Franz von Stuck y de 1919 a 1920 en el Academia de Bellas Artes en Múnich hasta que en 1920 entró en la Escuela de la Bauhaus en Weimar (a partir de 1925 enDessau, de 1932 a 1933 en Berlín). Comenzó a enseñar en el Departamento de Diseño en 1923 y fue ascendido a profesor en 1925, el mismo año en que la Bauhaus se mudó a Dessau. Su trabajo en este momento incluía el diseño de muebles y de trabajo con el vidrio. En esa época se casó con Anni Albers que era entonces una estudiante de la Bauhaus.

Vida en Estados Unidos

Con la clausura de la Bauhaus bajo la presión nazi en 1933, Albers emigró a los Estados Unidos y se incorporó a la facultad de Black Mountain College (Carolina del Norte), encargándose del programa de arte hasta 1949, siendo varios los latinoamericanos que se formaronn en esta escuela, destacando la alumna cubano-mexicana Clara Porset.

Entre sus alumnos más importantes en esta institución, están John Cage, Robert Rauschenberg, Cy Twombly, Ray Johnson, Susan Weil, Donald Judd y Merce Cunningham. De1934 a 1936 fue miembro del grupo de artistas de París: Abstracción-Creación.

En 1935, viajó, con su mujer, por primera vez a Cuba y México, y quedaron muy impresionados por la arquitectura y su influencia fue duradera. Asimismo, conocieron al arquitecto Luis Barragán y su obra.

De 1950 a 1958, Albers dirigió el Departamento de Diseño de la Universidad de Yale, en New Haven (Connecticut), donde, entre otras cosas, enseñó a Richard Anuszkiewicz,Eva Hesse y Richard Serra. En 1953 regresó como profesor invitado a la Escuela de Diseño de Ulm, Alemania. En 1962, como becario de la Universidad de Yale, recibió una subvención de la Graham Foundation para una exposición y conferencia sobre su trabajo.

Tras jubilarse en Yale en 1958, Albers continuó viviendo y trabajando en New Haven con su esposa, la artista textil Anni Albers, hasta el día de su fallecimiento.

Estilo y evolución de su obra

Consumado diseñador, fotógrafo, tipógrafo y poeta, Albers es principalmente recordado como pintor abstracto. Favoreció un acercamiento muy disciplinado a la composición y publicó varios libros y artículos sobre la teoría de la forma y el color, así como realizó diversas obras pictóricas en este sentido. Las más conocidas quizás sean sus rigurosas series Homenaje al cuadrado, que empezó en 1949, donde explora las interacciones cromáticas entre cuadrados de distintos colores organizados concéntricamente en el lienzo. Sus teorías sobre el arte y su enseñanza fueron de gran valor formativo para la siguiente generación de artistas.

El trabajo de Albers representa una transición entre el arte europeo tradicional y el arte norteamericano. Su trabajo incorpora las influencias europeas de los constructivistas y el movimiento Bauhaus, y su intensidad y la pequeñez de escala son típicamente europeos. Sin embargo, su influencia se redujo fuertemente en los artistas americanos de la década de 1950 y 1960.

Albers experimentó con una gran cantidad de efectos de colores, formas, líneas y áreas entre sí, con la subjetividad de la percepción visual: Sólo las apariencias no engañan. Con sus dibujos sobre la base de las ilusiones ópticas fue junto a Victor Vasarely fundador del Op-art. En este contexto, sus series más famosas son parte deHomenaje al cuadrado, En “Homenaje al cuadrado intentó explorar la interacción del color en un formato regular dado. Y demostró por si hiciera falta, que el color es un fenómeno completamente relativo; los colores se cambian constantemente según su yuxtaposición y relación con otros colores. "Un mismo tono puede parecer diferente cuando se coloca sobre diferentes fondos, y diferentes colores pueden parecer casi iguales cuando se asocian a distintos fondos. Es así que un mismo color permite innumerables lecturas". Por lo tanto, Albers es también uno de los representantes de Hard edge.

Albers también colaboró con el arquitecto y profesor de Yale Rey-lui Wu en la creación de diseños decorativos para algunos de los proyectos de Wu. Entre estas se encuentran las chimeneas geométricas distintivo de las casas de Rouse (1954) y DuPont (1959), la fachada de la Sociedad del Manuscrito, uno de los sociedades secretas de Yale (1962), y un diseño para la Iglesia Bautista Bethel (1973). Además, en este tiempo trabajó en su constelación de piezas estructurales. En 1963 publicó Interacción del Color que presentaba su teoría de que los colores se rigen por una lógica interna y engañosa. También durante este tiempo, creó la cubierta abstracta del álbum del director de orquestaEnoch Light de la compañía discográfica Command Lp Records.

Sus obras más conocidas son:

• 1920-1 Vidrieras de colores para la Casa Sommerfeld.

• 1924 "Parque" Galería Tate, Londres.

• 1942 episodio de Grafische Tektonik Museo de Josef Albers Quadrat, Bottrop.

• Hacia 1950, la serie Homenaje al cuadrado Museo de Josef Albers Quadrat, Bottrop.

Instituciones

Josef Albers fue un participante en el documenta 1 en 1955 y 4. Documenta 1968 en Kassel. En 1970 se convirtió en ciudadano honorario de su ciudad natal de Bottrop, más tarde donó una gran parte de sus bienes y se estableció el Museo de Josef Albers Quadrat en esa ciudad.

En 1971 (casi cinco años antes de su muerte), fundó la Fundación Josef Albers y Anni Albers, una organización sin afán de lucro que esperaba que fuera "la revelación y la evocación de la visión a través del arte". Hoy en día, esta organización no sólo sirve como la oficina de bienes tanto de Josef Albers y su esposa, Anni Albers, sino que también realiza exposiciones y publicaciones centradas en las obras de Albers. El edificio oficial de la Fundación está ubicado en Bethany, Connecticut e "incluye una central de investigación y un centro de almacenamiento de archivos para dar cabida a las colecciones de arte de la Fundación, biblioteca y archivos, y oficinas, así como estudios de residencia para artistas visitantes."

El representante de derechos de autor de EE.UU. para la Fundación Josef y Anni Albers es la Artists Rights Society. El director ejecutivo de la fundación es Nicholas Fox Weber, autor de catorce libros.

quien fue

Herbert Bayer

Hablamos de Herbert Bayer, uno de los personajes con más peso en la Bauhaus

Herbert Bayer és uno de los personajes más identificativos de la Escuela Bauhaus de Weimar, Alemania. Junto a Walter Gropius, Wassily Kandinsky y László Moholy-Nagy, ha ayudado a dar forma a una filosofía de diseño funcional que iba desde la arquitectura hasta la tipografía y el diseño.

Biografia

Nació en Haag (Austria) en 1900. Empezó como aprendiz en el estudio de George Schmidthammer en Linz donde realizó sus primeros trabajos tipográficos. En 1920 se fue a Alemania y un año más tarde se inscribió en la Bauhaus interesado por su manifiesto. Aunque llegó como estudiante, se acabó convirtiendo en uno de los miembros más importantes.

Desde 1921 hasta 1925 recibió su formación en la Escuela, junto a Johannes Itten, Paul Klee o Vasili Kandinsky. Cuando finalizó, Gropius lo nombró responsable del Taller de imprenta y publicidad (en Dessau), que más tarde se llamaría Taller de tipografía y diseño publicitario, cargó que llevó a cabo hasta 1928.

En 1928 abandonó la escuela y se trasladó a Berlín, donde se convirtió en director artístico de la revista Vogue. También, dirigió una serie de exposiciones.

Como ya hemos visto en otros casos, la situación política de Alemania les afectaba, así que Bayer se fue a Nueva York en 1938. En poco tiempo ya había conseguido organizar una exposición completa de los primeros años de la Bauhaus en el MoMa, entre otros logros. Walter Paepcke, director ejecutivo de la Container Corporation of Amercia, se convirtió en el mecenas de Bayer, empezando por convertirlo en consultor de diseño de la compañía en Aspen. Allí también supervisó el diseño arquitectónico del nuevo Instituto Aspen. Se mantuvo en la ciudad hasta 1974, cuando se mudó a California, donde trabajó en varios proyectos hasta que murió en 1985.

Tipografía

Profesores de la escuela como Josef Albers, Moholy-Nagy, Herbert Bayer y Joost Schmidt, desarrollaron la idea de una “nueva tipografía”, tanto en lo referente al diseño de las letras (con miras al “monoalphabet” previsto por Portsmann, como en el caso de la Universal de Bayer de 1926) como el de la comunicación gráfica a través de material impreso.

“Nos precede una larga herencia de desarrollo del diseño de tipos y no tenemos intenciones de criticar el patrimonio que ahora nos oprime, pero hemos arribado a un punto en el que debemos decidir romper con el pasado. Cuando nos enfrentamos a un conjunto de estilos tradicionales, deberíamos percatarnos de que podemos desviarnos de las formas anticuadas de la edad media con clara consciencia de las posibilidades de diseñar una nueva clase de tipo más apropiado para el presente y para lo que podemos anticipar del futuro.”

Bayer quería crear un alfabeto fundamentado en la geometría que abandonara todo aquello relacionado con el carácter manuscrito. Este alfabeto carecería de mayúsculas, sería uniforme en su grosor, renunciaría a los trazos ascendentes y descendentes y sería simplificado para favorecer la legibilidad y la comprensión de la letra.

Tipografía universal

Bayer diseñó el prototipo de esta tipografía. Su diseño responde a las convicciones y al estilo de la escuela: busca funcionalidad dejando la tipografía en su apariencia más elemental. Se compone solo de letras minúsculas construidos sobre la base de la geometría esencial: líneas ortogonales, cuatro circunferencias con diferentes diámetros, tres ángulos de inclinación… Bayer quiso hacer una “limpieza” en el campo tipográfico a favor de la velocidad y del ahorro, eliminando las mayúsculas (no eran necesarios 2 signos para un mismo sonido).

Edgar Benguiat y Victor Caruso redibujaron la tipografía en 1975 para la ITC, logrando una letra compuesta de formas geométricas, muy simple y monótona.

QUIEN ERA

Max Bill (1908/12/22 - 1994/12/09)

Artista suizo Nació el 22 de diciembre de 1908 en Winterthur, Suiza. Cursó estudios de arte en la Art and Crafts Academy de Zurich (1924-27),y en la Bauhaus, la escuela de artes oficios de Dessau. En 1929 se trasladó a Zurich. donde ejerció además de comoarquitecto y artista, como profesor. Considerado como uno de los exponentes más versátiles de los principios vanguardistas de la Bauhaus en Alemania tras el final de la I Guerra Mundial en 1918. Creó, entre 1935 y 1953, en el campo de la escultura, diferentes variaciones sobre el tema del lazo infinito en metal pulido. Fue profesor y director de las escuelas de Zürich y Ulm, y organizador de exposiciones de arte, en particular las de arte concreto (término que se refiere a las formas puramente geométricas, no figurativas), durante 1944 y 1960. Max Bill falleció en Berlín el 9 de diciembre de 1994.

Marianne Brandt

Marianne Bran (1 de octubre de 1893 – 18 de junio de 1983) fue una pintora, escultora y diseñadora industrial relacionada con el comienzo de la Bauhaus en 1923, donde sus diseños de objetos prácticos en metal formaron una parte importante de su repertorio. Muchos de esos diseños, incluidos lámparas, ceniceros y otros objetos del hogar, continúan hoy en producción.

Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Weimar entre 1911 y 1917. Una vez que egresó trabajó independientemente hasta que ingresó a como estudiante a la Bauhaus. Allí fue alumna de László Moholy-Nagy y realizó trabajos y objetos relacionados siempre con el metal, como teteras y servicios de café de formas geométricas.

Cuando terminó el curso en 1928, asumió el cargo de vicerrectora de metalurgia, sucediendo a Moholy-Nagy y organizó trabajos en colaboración con empresas fabricantes de lámparas. Más tarde diseñó otras lámparas con otros diseñadores, de donde surgió la lámpara Kandem.

En 1929 trabajó en el estudio de arquitectura de Walter Gropius y en la firma Ruppel en Gotha. Más tarde estudió pintura y enseñó en algunos institutos y escuelas de artes.

Su trabajo estuvo centrado siempre en el diseño industrial, siendo una de las primeras mujeres en sobresalir en este campo. Aunque también incursionó con gran talento y renombre en el foto-montaje y la fotografía.

Falleció en Kirchberg, Sajonia a la edad de 89 años.

Stölzl, Gunta (1897-1983).

Pintora y tejedora alemana nacida en Múnich en 1897 y fallecida en Küsnacht (Suiza) en 1983. Perteneció a la escuela alemana de la Bauhaus.

Empezó como aprendiz en el taller textil de esta institución, del cual fue directora tras su nombramiento como maestra. Su actividad en la Bauhaus fue de los más heterogéneo, desde la dirección del citado taller con la floristería y el cuidado de jardines, o desde la organización de fiestas debido a su interés por la cocina. Es por ello que fue una de las pocas mujeres, junto a Mariane Brandt, que ejercieron la docencia en la institución alemana y alcanzaron una destacada proyección internacional.

Hija de un profesor, fue su propio padre quien se cuidó de que recibiese una educación liberal hasta su ingreso en la Universidad en 1913. Al año siguiente abandonó sus estudios para servir como enfermera durante la Primera Guerra Mundial. Finalizado el conflicto bélico e inaugurada la Bauhaus en 1919 por Walter Gropius, se incorporó a su cuerpo estudiantil. De los doce años que estuvo en la institución, Stölzl se dedicó seis años a su formación y los restantes seis a ejercer la docencia, como era costumbre en la Bauhaus. Hasta su examen como oficial tejedora en 1923, recibió clases de Johannes Itten y de Paul Klee, que simultaneó con su estancia en el taller textil.

Con el nombramiento de oficial, y antes de incorporarse al cuerpo docente de la Bauhaus, Stölzl residió en Zúrich, donde organizó los talleres textiles Ontos. Desde octubre de 1925 a septiembre de 1931 fue maestra del taller textil, pasando a ser su directora desde 1927 hasta su definitiva disolución en 1933 por orden del partido nacionalsocialista, que ese año subió al poder (véase nacionalsocialismo). Durante dicho período como directora de taller, contó con la colaboración de Kurt Wanke. Bajo su organización, el taller textil ejecutó sus mejores realizaciones, incluso mejores que en el período en que éste estuvo dirigido por Klee.

La obra de Stölzl, tanto la realizada de forma individual como en colaboración con otros artistas, se caracterizó por la aplicación de los principales principios estéticos que formulaba la Bauhaus. Por un lado, la experimentación constante con materiales textiles para obtener tejidos nuevos que fuesen resistentes, baratos y cuya producción en serie abaratase sus costes encaja de lleno en la política de la Bauhaus de integrar las obras de los artistas en el proceso industrial. Por otro lado, la profunda geometría que plasma en sus composiciones comparte de pleno el gusto por la formas geométricas primarias que se practicó en todos los talleres de la escuela.

Paralelamente a su actividad en la Bauhaus, Stölz montó en colaboración con otros socios, generalmente conocidos en la escuela, diversos talleres textiles. El primero lo fundó en 1931 y fue cerrado también por los nazis en 1933. En colaboración con dos alumnos de la Bauhaus, Gertrud Preiswerk y Heinrich-Otto-Hürlimann, la empresa "Tejidos S P H" realizó sus primeras obras para arquitectos. En 1933 fundó "Tejidos SH" que, en 1938, tras su separación de Hürlimann, se convirtió en "Tejeduría manual Flora" y se estableció en Zúrich. En este taller, ubicado en la Florastrasse muniquesa, trabajó solo hasta 1967. Durante esos 36 años utilizó las técnicas de la tejeduría, el tapiz o los gobelinos para realizar piezas que fueron muy apreciadas por los arquitectos más vanguardistas y premiadas en múltiples certámenes artísticos internacionales, a la vez que recibió numerosos encargos para las sedes de instituciones internacionales.

En 1937 recibió el Diploma Conmemorativo de la Exposición Mundial celebrada en París. Trabajó para el Museo Germánico Nacional y colaboró con destacados arquitectos como Hans Fischli, para quien diseñó la decoración de sus proyectos. Hasta su fallecimiento en 1983 Gunta Stölz fue una artista muy activa; participó en la Sociedad de Pintoras, Escultoras y Tejedoras Suizas, y también en la asociación Werkbund.